Estrenos en plataformas
"Newtopía"
(Corea/2026) Temp. 1ra. 8 episodios. Amazon Prime
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viernes 06 de febrero de 2026
Pantalla Total trae los estrenos de "Hamnet" -candidato al Oscar-, la cuarta temporada de "El abogado del Lincoln" y "Tenemos que hablar", el filme nacional hecho en una noche.
"El vengador tóxico", uno de los estrenos con zombies de la semana.
"El abogado del Lincoln"
"La Reina del flow"
"Hamnet"
"Tenemos que hablar"
Shakespeare y el cine
(Corea/2026) Temp. 1ra. 8 episodios. Amazon Prime
Una pareja coreana lucha por reencontrarse en Seúl durante un caótico apocalipsis zombi. La trama sigue a un soldado y su novia mientras sobreviven a los muertos vivientes, trayectorias cruzadas en una ciudad que se descompone lentamente: vínculos que se rompen, otros que se reinventan, y una amenaza constante que no siempre tiene rostro humano.
Más que el apocalipsis, lo que se narra es el después emocional, ese territorio incierto donde la normalidad ya no existe pero la memoria todavía duele.
La primera temporada apuesta menos al espectáculo y más a la atmósfera: un relato contenido, a veces irregular, pero atravesado por una sensibilidad melancólica que la distingue dentro del género. No todo funciona con la misma intensidad —algunos episodios estiran climas sin necesidad—, pero cuando acierta lo hace con una mirada singular del mundo. Su mayor virtud es entender que la verdadera catástrofe no es la destrucción externa, sino la dificultad de seguir siendo humano cuando el orden desaparece.
En síntesis: Soledad, ruina, persistencia.
(EE.UU./2025) Serie Temp. 4. Netflix
La cuarta temporada de la serie creada por David E. Kelley propone el giro más incómodo para su protagonista: el abogado Mickey Haller, interpretado por Manuel García-Rulfo, ya no defiende a otros sino que debe enfrentar un caso que lo involucra de manera directa.
A partir de ese punto, la narración se vuelve más cerrada y tensa, con un arco central que atraviesa toda la temporada y redefine las relaciones con su entorno profesional y personal. Junto a García-Rulfo (sobrino nieto del escritor Juan Rulfo), el elenco integrado por Becki Newton, Jazz Raycole, Angus Sampson y Neve Campbell sostiene un relato que prioriza el conflicto humano por sobre el artificio judicial.
La temporada profundiza un tono más sombrío y menos complaciente, donde el sistema legal deja de ser un terreno dominado para convertirse en un espacio hostil. El interés ya no está solo en el veredicto, sino en los límites éticos del oficio y en la fragilidad de un personaje acostumbrado a moverse con ventaja. El resultado es un drama legal más introspectivo, que tensiona la figura del defensor hasta exponer sus fisuras.
En síntesis: Densa, introspectiva, desafiante.
(España/2026) 6/02 Netflix
Un hombre común, chofer de ambulancia, se ve obligado a enfrentarse a una verdad devastadora cuando descubre que su hija está involucrada en un núcleo de violencia ideológica neonazi extrema. El intento de protegerla y comprenderla lo empuja a un territorio cada vez más oscuro, donde las lealtades familiares chocan con convicciones morales difíciles de sostener.
La cosa que empieza mal avanza para peor. A partir de ese conflicto íntimo, el relato avanza como una carrera contrarreloj emocional, en la que cada decisión deja marcas irreversibles. La dirección de Daniel Calparsoro y las interpretaciones de Luis Tosar y Claudia Salas sostienen la tensión desde un realismo áspero y sin concesiones.
La producción apuesta por un tono seco y frontal, evitando el didactismo y confiando en la incomodidad como motor narrativo. No busca explicar ni justificar, sino exponer el desgaste psicológico que produce la cercanía con el fanatismo y la violencia organizada. Esa elección le da fuerza al conjunto, aunque también vuelve al relato exigente, incómodo y deliberadamente perturbador. Más que una historia de acción, se construye como un drama contemporáneo sobre vínculos puestos al límite.
En síntesis: Incómoda, tensa, actual.
Temp. 3 (Colombia/2025) Netflix
En su tercera temporada, la serie retoma el pulso del mundo urbano donde la música, la venganza y la redención vuelven a cruzarse sin pedir permiso. Yeimy Montoya enfrenta las consecuencias de su propio éxito mientras las lealtades se ponen a prueba, los vínculos se tensan y el pasado insiste en regresar cuando parece definitivamente enterrado. El flow sigue siendo el motor, pero ahora el conflicto pasa más por el poder, la identidad y el costo emocional de haber llegado a la cima.
En términos de realización, la serie —dirigida nuevamente bajo la impronta rítmica y eficaz de Rodrigo Lalinde— confirma una fórmula que trascendió la pantalla colombiana para convertirse en fenómeno latinoamericano. Carolina Ramírez y Carlos Torres sostienen el centro dramático con personajes ya icónicos, mientras el universo musical urbano funciona casi como un personaje más.
Una de las claves de su impacto regional sigue siendo la mezcla de melodrama clásico con estética de videoclip, algo que permitió que la serie fuera consumida tanto como ficción televisiva como producto musical, especialmente en plataformas digitales donde sus canciones tuvieron vida propia y circulación masiva.
En síntesis: Música, poder, redención
(Gran Bretaña/2025)
Es un drama histórico dirigido por Chloé Zhao, coescrito junto a Maggie O’Farrell y basado en en su novela homónima publicada en 2020, y ahora mismo candidato a ocho premios Oscar.
La historia transcurre en la Inglaterra de fines del siglo XVI y sigue a Agnes y William Shakespeare (interpretados por Jessie Buckley y Paul Mescal) y el devastador impacto que tiene sobre ellos la muerte de su hijo Hamnet a causa de la peste, un suceso que, en la ficción, inspira más tarde la creación de Hamlet título emblemático en la obra de El Bardo. Completan el elenco Emily Watson y Joe Alwyn en papeles secundarios, una propuesta bien recibida en festivales, como el de Telluride, por su intensidad emocional y su cuidada ambientación histórica ganadora de cinco premios al cine europeo.
Más que una biografía estricta, es un relato sobre el dolor, la memoria y la forma en que el arte y el amor pueden surgir desde la pérdida más profunda, presentado con la sensibilidad característica de Zhao y la fuerza de las actuaciones centrales. Con una narrativa que es a la vez íntima y universal, la película invita a sentir la vulnerabilidad humana bajo un paisaje histórico que parece tan cercano como nuestro propio duelo interior. Veremos cómo le va el día de los Oscar.
En síntesis: Dolor, memoria, creación.
(Argentina/2025)
La nueva comedia de Mariano Galperín ("Todo lo que veo es mío", entre más) parte de un festejo íntimo -un cumpleaños tras más de veinte años de matrimonio- para exponer, con humor áspero, un entramado de silencios, gestos y verdades largamente postergadas. La escena doméstica se convierte en un espacio de tensión donde lo no dicho gana protagonismo y los vínculos se revelan en toda su fragilidad.
El relato avanza con pulso firme, sostenido por un elenco coral preciso y homogéneo integrado por Marina Bellati, Marcelo Cuarta, Luis Ziembrowsky, Guillermo Pfening, Moro Anghileri y Diego Cremonesi, que encuentra su fuerza en la naturalidad y la incomodidad compartida.
Fiel a una filmografía atenta a los vínculos y a la observación sin concesiones, Galperín construye una comedia breve y concentrada que evita el alivio fácil y apuesta por el reconocimiento incómodo. La risa aparece, pero nunca como escape, sino como espejo de aquello que se sostiene por hábito y se erosiona en silencio. Dos curiosidades: se filmó en una noche y todas las voces son en off.
En síntesis: filosa, incómoda, lúcida.
(Uruguay-Argentina-Chile/2024)
El relato sigue a Ana, Malú y Martina, tres jóvenes que sobreviven seduciendo a chicos ricos para luego drogarlos y despojarlos de su dinero. En este verano pospandémico planean el golpe definitivo: robar a Ramiro Tübingen, un millonario excéntrico y mecenas de artistas amateurs. El plan, sin embargo, pega un giro cuando las víctimas no solo no se duermen sino que mueren… aunque no del todo. Porque en este verano, los muertos no se mueren, y el relato deriva inesperadamente hacia un delirio de zombis, violencia y humor negro.
Dirigida por Pablo Stoll, la película cruza el cine de estafadores con el fantástico y el terror, combinando sátira social, comentario generacional y una estética que no teme al exceso. La coproducción argentina-chilena-uruguaya, tuvo su estreno mundial en el Festival de Sitges, y pasó por Buenos Aires Rojo Sangre, donde obtuvo el premio a la Mejor Director. Stoll se permite jugar con códigos conocidos —el eco contemporáneo de la serie Viudas negras está flotando— para llevar la propuesta a un terreno inesperado, donde el verano deja de ser promesa y se convierte en pesadilla luminosa.
El remate es tan irónico como brutal: cuando todo parece un juego, el verdadero horror es que nadie quiere despertar. (Desde el 5 en la Sala Lugones, desde el 12 en cines)
En síntesis: Estafa, zombis, ironía.
("Ghost Tain", (EE.UU./2025)
La propuesta dirigida por el surcoreano Tak Se-woong se inscribe en una tradición del cine de género asiático que convierte los espacios cotidianos en territorios de amenaza latente. Ambientada en una estación de tren atravesada por hechos inexplicables, la película construye su clima desde la sugerencia y la acumulación de tensiones antes que desde el impacto directo. El relato avanza con ritmo contenido, sostenido por una puesta en escena precisa y por la interpretación central de Joo Hyun-young, acompañada por un elenco que refuerza la sensación de aislamiento.Lejos del efectismo, el film apuesta por una atmósfera opresiva y una narrativa que dialoga con miedos contemporáneos como la soledad urbana y la memoria de los espacios. Tak Se-woong privilegia el clima por sobre la explicación, una decisión que define el tono y deja una inquietud persistente más allá del cierre.En síntesis: Inquietante, austera, persistente.
("Tóxic Avenger". EE.UU./2025)
En una ciudad corroída por la impunidad corporativa, un conserje marcado por una mutación extrema descubre que su nuevo cuerpo es también una forma brutal de justicia. Dirigida por Macon Blair y protagonizada por Peter Dinklage, esta relectura de 2025 convierte al antihéroe en un paria contemporáneo: menos caricatura y más tragedia física, con violencia gráfica puesta al servicio de una fábula social incómoda.
A diferencia de la versión original de los 80, producida por el sello Troma, que jugaba al exceso camp con ironía barata y espíritu clase B, esta encarnación elige un tono más seco, con humor negro dosificado y una puesta en escena más controlada. No reniega del origen, pero lo traduce a un contexto donde la monstruosidad ya no es un chiste sino una consecuencia. El resultado es un largometraje que dialoga con su pasado sin depender de la nostalgia y se anima a incomodar desde otro lugar.
En síntesis: Aspera, mutante, política.
("Greenland: Migration", EE.UU./2025)
La nueva incursión de Ric Roman Waugh en el cine de catástrofe retoma un mundo devastado y lo convierte en escenario de una deriva humana marcada por el desplazamiento y la supervivencia.
La historia sigue a una familia obligada a abandonar un refugio seguro para atravesar territorios hostiles en busca de una posibilidad de futuro, con Gerard Butler y Morena Baccarin al frente de un elenco que privilegia la tensión emocional antes que el heroísmo grandilocuente. El relato avanza entre grandes paisajes arrasados y conflictos íntimos, apostando a una escala épica que dialoga constantemente con el drama familiar.
Waugh intenta expandir el universo planteado en la primera entrega sin perder el foco en los vínculos, aunque el peso del género impone ciertas reiteraciones narrativas.
La película encuentra su mayor fortaleza en la sensación de amenaza constante y en la idea del éxodo como condición permanente, más que en la sorpresa o la innovación. El resultado es un film correcto, sostenido por su ambición visual y por un tono grave que subraya la fragilidad del mundo que retrata.
En síntesis: Ambiciosa, tensa, reiterativa.
(EE.UU./2025)
La primera pregunta que surge es lo que se ve en la película ¿es una ballena, orca o tiburón? La segunda pregunta es por qué todavía se hacen películas como estas pero ese no sería el problema porque la cantidad de horas que se necesitan para cubrir los canales de streaming son infinitas pero vayamos más allá y lleguemos entonces a la pregunta fundamental: ¿por qué se estrenan en salas?
Dicho todo esto es imaginable pensar que no se trata de una película para tener en cuenta dado que la trama, dos chicas que en bikini deben enfrentar a ese ser peligrosísimo nada más que para una anécdota de ese cine que en viejos tiempos iban a ver los adolescentes para divertirse a los gritos en la sala.
En síntesis: Una de sábados de súperacción.
(EE.UU./2025) En salas y Mubi
A comienzos del siglo XX, dos jóvenes se encuentran y descubren una afinidad inesperada: el impulso de registrar canciones y sonidos destinados a perderse con el tiempo. Lo que nace como un proyecto compartido se convierte en un vínculo íntimo marcado por el deseo, las ausencias y la memoria. Con el correr de los años, ese archivo sonoro termina funcionando como refugio emocional y como huella de una relación imposible de fijar del todo. La mirada del sudafricano Oliver Hermanus y las actuaciones de Paul Mescal y Josh O’Connor sostienen el relato desde una contención constante.
La producción, que se vio en varios festivales internacionales, apuesta por una narración clásica y sobria, donde la música y el silencio dialogan con igual peso. Hermanus evita el énfasis y confía en los gestos mínimos, dejando que el tiempo y los cuerpos construyan la emoción. Esa elección estilística refuerza el clima melancólico, aunque también exige del espectador una disposición atenta y paciente frente a una obra que privilegia la resonancia antes que el impacto.
En síntesis: Intima, melancólica, delicada.
(México/Venezuela/2024)
La autora del libro original, que vive en España, se autodefine como "de derecha por rebote", antifeminista y al mismo tiempo muy afín e intereses políticos totalmente opositores a los del actual gobierno de Venezuela. Y el film, rodado en México y Colombia simulando ser Caracas, es una fiel adaptación del relato acerca de una mujer que apenas su madre muere, ve invadida su casa por un grupo de mujeres extremistas del régimen que la consideran suya. A partir de ese momento comienza un discurso a oscuras o a media luz que solo repasa los males del régimen, hay algunos inserts con recuerdos y poco más que eso, todo muy básico y por momentos incluso aburrido.
En resumidas cuentas, peregrinaje reiterativo, demasiada pantalla oscura o casi, calles devastadas estilo post apocalipsis y casi ninguna historia que no sea construida con otra cosa que anécdotas de una huida.
En síntesis: Testimonial, angustiante, convencional.
("All you need Is kill", Japon-EE.UU./2025)
La adaptación animé de la extraordinaria novela gráfica de Hiroshi Sakurazaka, dirigida por Kenichiro Akimoto, propone una relectura concentrada del relato bélico de ciencia ficción desde una sensibilidad claramente japonesa. Ambientada en un conflicto interminable atravesado por bucles temporales, la trama explora la repetición como condena y como método de aprendizaje, apoyándose en una animación dinámica que acompaña tanto la acción como el desgaste psicológico de su protagonista.
El relato avanza con lógica circular, reforzando la idea de acumulación de experiencia y pérdida más que cualquier forma de heroísmo clásico.
Lejos de limitarse al espectáculo, la propuesta encuentra su fuerza en la combinación entre fatalismo y persistencia, donde cada reinicio redefine la identidad del personaje central. La animación se vuelve aquí un recurso expresivo antes que ornamental, permitiendo una reflexión sostenida sobre la guerra, el sacrificio y la resistencia. El resultado es una propuesta compacta, fiel a su origen literario y eficaz en su traducción al lenguaje audiovisual.
En síntesis: Intensa, circular, reflexiva.
El cine, desde sus orígenes, encontró en William Shakespeare una cantera inagotable de historias, conflictos y personajes. No se trata sólo de adaptaciones fieles de sus obras teatrales, sino también de relecturas libres, traslados de época, geografías impensadas y hasta apropiaciones indirectas que toman sus estructuras dramáticas como esqueleto narrativo.
A lo largo de más de un siglo, directores de distintas culturas y estilos volvieron una y otra vez a ese universo porque allí están, en estado puro, la ambición, los celos, el amor, la traición y el poder. Esa persistencia explica por qué Shakespeare sigue siendo una presencia viva en la pantalla grande, aun cuando a veces no se lo nombre de manera explícita.
El recorrido cinematográfico comienza temprano: "Enrique V"(1944), dirigida y protagonizada por Laurence Olivier, fue una de las primeras grandes adaptaciones modernas, seguida por su "Hamlet" (1948), todavía hoy considerada un modelo de sobriedad y densidad dramática.
En 1957, Akira Kurosawa llevó Macbeth al Japón feudal con "Trono de sangre", una obra maestra que demostró que Shakespeare podía hablar en otros idiomas sin perder fuerza.
La década del 60 sumó una versión inolvidable de "Romeo y Julieta" (1968), dirigida por Franco Zeffirelli, celebrada por su romanticismo trágico y su llegada a un público masivo.
En los años 70 y 80, el vínculo se volvió más áspero y épico: Roman Polanski filmó "Macbeth" (1971) con una crudeza inusual para la época, mientras que Kurosawa regresó al bardo con "Ran" (1985), inspirada en "El rey Lear", una experiencia visual y emocional de gran escala.
Ya en los 90, el abanico se amplió: desde la ironía intelectual de "Rosencrantz y Guildenstern han muerto" (1990), hasta el clasicismo luminoso de "Mucho ruido y pocas nueces" (1993), de Kenneth Brannagh, con Denzel Washington, ya había sido llevada al cine blanco y negro en 1936, y la audacia pop de "Romeo + Julieta" (1996), del australiano Baz Luhrmann, que acercó el texto shakesperiano a nuevas generaciones.
Ese mismo período consolidó adaptaciones indirectas y miradas laterales: "Ricardo III" (1995), de Richard Loncraine con Ian McKellen, trasladó la tragedia al siglo XX; Otelo (1995) recuperó la intensidad del drama racial y pasional; "Shakespeare apasionado" (1998), del británico John Madden, imaginó al autor como personaje y celebró el nacimiento de sus obras; incluso clásico de dibujos animados con sello Disney "El rey León" (1994, y su versión posterior CGI) retomó la matriz de Hamlet para construir una fábula animada de alcance universal. Cada una, a su modo, confirma que estas películas no son ejercicios académicos sino experiencias que siguen valiendo la pena ver, descubrir o revisitar.
En 2019 "Anónimo", de Roland Emmerich, planteó la posibilidad de que no haya sido Shakespeare el verdadero autor de su vasta obra y que en verdad se debió la pluma de Edward de Vere, conde de Oxford.
Y de estas últimas la más sorprendente es "La tradición de Macbeth" (2021), de Joel Cohen, en blanco y negro, y version atípica porque pone como figura central al afroamericano Washington en el papel protagónico (se ve por Apple TV).
La lista es mucho más vasta, con cuatro versiones de "Así como gustéis", la más importantes la de 1936 con Laurence Olivier y la de 2006 de Brannagh, incluso con toques musicales, piezas de un rompecabezas que seguramente tiene más muchísimas más versiones de sus obras menos difundidas.
Shakespeare y el cine mantienen una relación natural: uno escribió pensando en imágenes, acciones y emociones; el otro encontró allí relatos que nunca envejecen. Tal vez por eso, cada nueva película que dialoga con su legado no cierra un ciclo, sino que vuelve a abrirlo.
Fuente: Agencia DIB