Estrenos en plataformas
"Homo Argentum"
(Argentina/2025) Disney+ 15/01
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miércoles 14 de enero de 2026
Pantalla Total trae los estrenos de la semana en Disney+, Netflix, HBO Max, Prime Video, Mubi y Flow, además del último éxito de Guillermo Francella.
(Argentina/2025) Disney+ 15/01
El filme que llegó a llenar las salas argentinas con más de dos millones de tickets vendidos, se organiza como un mosaico de episodios que intentan radiografiar una argentinidad en estado de combustión permanente, con Guillermo Francella como eje mutante: sea empresario cínico, padre desbordado, ciudadano al borde del ataque de nervios o un cineasta hipócrita. La película apuesta a la exageración como método y al catálogo de miserias como motor narrativo, pero en ese gesto termina insistiendo más en el subrayado que en la observación. Cada episodio parece partir de una idea potente —la viveza criolla, el resentimiento social, la violencia cotidiana, la hipocresía moral—, aunque rápidamente deriva en una caricatura que no confía en la inteligencia del espectador. El problema no es la incomodidad que genera, sino la reiteración de una mirada que insiste en asociar conflicto, desborde y degradación a un mismo territorio simbólico: la caricatura como escenario único, casi excluyente.
Allí es donde el relato entra en zona resbaladiza. No por utilizar ese recurso en forma reiterada (qué podría encontrar justificación) sino por usarlo como atajo expresivo, como signo automático de brutalidad, ignorancia o violencia, sin capas intermedias ni contradicciones humanas reales. Francella, actor de recursos probados, compone personajes eficaces pero muchas veces demasiado funcionales a la tesis del todo, más cercanos al arquetipo que al sujeto.
En su afán por dialogar con la tradición italiana episódica de los años 60 —Risi, Monicelli, Comencini— la película confunde mordacidad con machaque y sátira con reiteración. El resultado es un producto bien hecho, profesional, incluso incómodo por momentos, pero que al querer tensar el espejo termina deformándolo. Y en esa comparación inevitable, "Relatos salvajes" aparece como lo que "Homo Argentum" no logra ser: una radiografía feroz que entendía que el exceso funciona mejor cuando no se explica ni se repite, sino cuando estalla.
En síntesis: Corrosiva, múltiple, polémica.
("Der Tiger", Alemania/2025) Prime Video.
Se inscribe en el cine bélico contemporáneo con una estructura clásica: en 1943, un grupo de soldados queda atrapado en una misión casi suicida frente a un enemigo superior, con el tanque Tiger alemán funcionando como amenaza concreta y símbolo de una maquinaria de guerra imparable. La película avanza entre combates cerrados, tensiones internas y una progresiva sensación de encierro (en el estilo de otra leyenda del cine alemán, "El barco", de Wolfgang Petersen), donde la supervivencia se vuelve más urgente que cualquier épica o discurso patriótico.
Dirigida por Denis Gansel, el film apuesta a la eficacia narrativa y al impacto visual antes que a la complejidad psicológica. Las actuaciones —correctas, funcionales— están al servicio del dispositivo bélico, con personajes delineados más por su rol que por su profundidad. Gansel demuestra oficio en la puesta en escena, pero el conjunto no logra trascender el modelo que replica: hay pulso, hay tensión, pero falta una mirada que singularice la experiencia y la saque del molde. En la banda de sonido sobresale la voz de Marlene Dietrich cantando "Ich bin die fesche Lola".
En síntesis: Correcta, intensa, previsible.
(EE.UU./2026) HBO Max 18/01
La propuesta intenta plantear una historia más íntima dentro del universo de "Game of Thrones", centrada en la figura errante de Ser Duncan el Alto y su joven escudero Egg. Lejos de las grandes batallas y las intrigas palaciegas, la historia avanza como un viaje episódico por una Westeros más terrenal, donde el honor, la supervivencia y las jerarquías sociales se ponen a prueba en torneos, caminos polvorientos y encuentros mínimos que revelan el pulso real del reino.
Protagonizada por Peter Claffey como Duncan y Dexter Sol Ansell como Egg, la miniserie apuesta a la contención y al desarrollo de personajes por sobre el espectáculo. Su fortaleza está en ese tono casi clásico, de aventura moral y aprendizaje, aunque a veces la falta de riesgo dramático la vuelve demasiado correcta. Funciona como expansión del mundo creado por George R. R. Martin, pero en busca una identidad propia que la saque de la sombra de su exitosa saga madre.
En síntesis: Sobria, clásica, contenida.
("L'accident de piano", Francia/2025) Mubi.
Dirigida por Quentin Dupieux y en directo a plataforma con Adèle Exarchopoulos y Romain Duris, narra cómo un episodio violento ocurrido durante una clase de piano infantil desencadena una cadena de consecuencias legales, emocionales y morales que atraviesan a todos los involucrados. Lejos del melodrama, la película se sitúa en el después del hecho: la investigación, las responsabilidades cruzadas y la imposibilidad de volver a una normalidad que ya no existe.
Dupieux vuelve a demostrar su habilidad para incomodar desde la forma antes que desde el exceso: el accidente narrativo que como grieta moral. El filme observa con frialdad cómo la culpa, el silencio y la repetición erosionan a los personajes, evitando cualquier catarsis fácil. Su mayor virtud es esa sequedad incómoda, aunque por momentos la apuesta a la abstracción emocional puede sentirse distante. El resultado es una obra austera, precisa, que deja resonando la idea de que algunos quiebres no se reparan, apenas se administran.
En síntesis: Sobria, inquietante, áspera.
("Left handed girl", Taiwan/2025) Netflix.
Es un conmovedor drama taiwanés de 2025 dirigido por Shih-Ching Tsou, con guion y producción también de Sean Baker ("Anora"). La trama sigue a Shu-Fen (interpretada por Janel Tsai) y sus dos hijas cuando regresan a Taipéi para abrir un puesto en un bullicioso mercado nocturno mientras lidian con tensiones familiares, dificultades económicas y la superstición del abuelo sobre la mano izquierda como “mano del diablo”. La historia explora con ternura y realismo las relaciones entre tres generaciones de mujeres en medio de una sociedad tradicional y los desafíos de adaptarse a la vida urbana en Taiwán.
Lo interesante es cómo con una puesta en escena simple —filmada incluso con un iPhone— Tsou ofrece una mirada profunda sobre la resiliencia, la identidad y la unidad familiar, equilibrando humor, drama y crítica social sin sentimentalismos baratos. Es una película que logra conectar culturas y edades, mostrando que, pese a las diferencias generacionales y las dificultades materiales, el amor y la comprensión pueden abrir caminos inesperados.
En síntesis: Resiliencia, familia, identidad.
("The Consultor", EE.UU./2023) Flow.
Se trata de una serie incómoda y filosa que parte de una premisa simple para derivar en algo mucho más inquietante: tras la muerte violenta del fundador de una empresa tecnológica, un misterioso asesor externo toma el control absoluto de la compañía y empieza a imponer reglas tan opacas como perturbadoras. Lo que parece un thriller corporativo se transforma rápidamente en una parábola sobre el poder, la obediencia y el miedo disfrazado de eficiencia, donde cada decisión laboral arrastra consecuencias morales difíciles de eludir.
Creada por Tony Basgallop y con episodios dirigidos, entre otros, por Matt Shakman, la serie encuentra su eje en la actuación magnética de Christoph Waltz, acompañado por Nat Wolff y Brittany O’Grady. Waltz compone un personaje elegante, seductor y siniestro, que nunca alza la voz pero lo controla todo. El consultor no habla solo del mundo tech: habla de cualquier sistema donde el poder se vuelve incuestionable y la sumisión se confunde con supervivencia. El verdadero terror no está en lo que se ve, sino en lo que se acepta.
En síntesis: Poder, manipulación, obediencia.
(Argentina-España-México/2025)
Dirigida por Laura Casabé y escrita junto a Benjamín Naishtat, adapta dos relatos del libro "Los peligros de fumar en la cama" de Mariana Enríquez y traslada su atmósfera turbia a un verano inmóvil del conurbano bonaerense en 2001, con eje en una joven recién salida del secundario, una de las tres mujeres que pretenden al mismo joven, donde la adolescencia aparece como un territorio de deseo, superstición y violencia latente, algo que caracteriza a la autora del relato.
Protagonizada por la debutante Dolores Oliverio (excelente en su papel), la mexicana Natalia Fernanda Echevarría y Alina Bozón, entre mas, evita el shock frontal y se apoya en una incomodidad persistente hecha de calor, miradas, cuerpos y una convicción popular más cercana al amuleto que a la fe, encarnada en esa jovencita al costado del camino.
Casabé expande con sutileza dos relatos breves sin traicionar el pulso de Enríquez, combinando realismo barrial con una amenaza apenas sugerida que nunca termina de volverse visible. El relato avanza sin explicaciones, como esos recuerdos de infancia que vuelven deformados y pegajosos, y deja flotando la sensación de que creer —en lo sagrado, en el deseo o en el peligro— es a veces la única forma de atravesar un verano duro.
Casabe y su coguionista Naishtat logra transformar literatura "casi cinematográfica" en cine con todas las letras, más allá que la expectativa de la primera hora baja apenas su temperatura en el desenlace. Es un excelente comienzo de 2026 para el cine nacional.
En síntesis: Sofocante, pagana, inquietante.
("28 Years Later: The Temple of Bones", EE.UU./2025)
Dirigida por Danny Boyle y con Cillian Murphy como figura tutelar que vuelve a proyectarse sobre la saga iniciada hace 23 años —aun cuando su presencia sea más conceptual que protagónica—, se plantea como una continuidad espiritual de "Exterminio" y "Exterminio 2": no busca repetir el impacto del estallido inicial ni la desesperación del primer contagio, sino trabajar sobre lo que queda cuando el apocalipsis ya es costumbre.
El mundo sigue siendo inhabitable, los cuerpos siguen siendo frágiles y la violencia ya no sorprende; lo nuevo aparece en el corrimiento del foco hacia comunidades, rituales y restos de sentido, como si la civilización insistiera en reconstruirse incluso en su versión más siniestra. Boyle abandona parte del vértigo para apostar a una atmósfera más densa y reflexiva, donde el horror no está solo en el infectado sino en la organización simbólica del desastre. El final, seco y perturbador, no ofrece clausura ni alivio: apenas confirma que el exterminio no es un episodio sino un estado persistente del mundo.
En síntesis: Distópica, oscura, perturbadora.
("Marty Supreme", EE.UU./ 2025)
Dirigida por Todd "Joker" Phillips, construye su relato alrededor de un protagonista improbable: Marty, un jugador de ping pong de talento excéntrico que vive el deporte no como competencia sino como refugio y forma de identidad. Lejos del ascenso épico clásico, la película lo muestra atrapado en un circuito menor, casi invisible, donde cada match es menos una batalla deportiva que un gesto obstinado de resistencia personal. El ping pong no es aquí un dato pintoresco: es el eje narrativo que define su vínculo con el cuerpo, con el tiempo y con una vida que nunca terminó de despegar.
El peso del relato recae casi por completo en Timothée Chalamet, reciente ganador del Golden Globe por este desempeño, que se lleva los laureles con una composición medida, física y vulnerable, muy lejos del lucimiento obvio. Su Marty está hecho de silencios, obsesión y una fragilidad persistente que nunca busca la empatía fácil. Gwyneth Paltrow, en un rol clave de contención y contrapunto emocional, aporta una presencia sobria que equilibra el universo cerrado del protagonista. Phillips observa a sus personajes sin ironía cruel ni épica impostada, dejando en claro que la verdadera “supremacía” de Marty no pasa por ganar, sino por seguir jugando cuando el aplauso nunca llega.
En síntesis: Resistencia, identidad, obsesión.
("Sennen Joyu" Japón/2001)
Es una joya del anime japonés dirigida por Satoshi Kon que, bajo la forma de una entrevista a una legendaria actriz retirada, construye un relato hipnótico donde memoria, cine y vida se funden sin fronteras claras. A medida que Chiyoko Fujiwara repasa su pasado frente a una cámara, sus recuerdos se transforman en escenas que atraviesan géneros, épocas y películas, como si toda su existencia hubiera sido vivida dentro del cine mismo. Kon despliega aquí su estilo más elegante y emotivo: el montaje fluye como un sueño lúcido, el tiempo se pliega sobre sí mismo y la pasión amorosa se vuelve motor narrativo y obsesión eterna.
Más que una historia romántica, es una declaración de amor al acto de contar, al cine como memoria viva y a la búsqueda incesante —a veces inútil, siempre necesaria— de aquello que da sentido a una vida. Tiene 24 años pero es estreno en la Argentina
En síntesis: Memoria, búsqueda, joya.
("Forbidden Compass-Mâo Hé Lâoshâ: Xîng Pán Qí Yuán", China-EE.UU./2025)
Una nueva variación dentro de la larguísima mitología del dúo animado, retomando el conflicto eterno entre gato y ratón, con persecución y caos, ahora alrededor de un objeto fantástico que funciona como excusa narrativa: una brújula capaz de alterar destinos y espacios. La película propone así una continuidad amable con el espíritu clásico —gags físicos, destrucción elegante, rivalidad sin palabras— pero sumándole una lógica de aventura más marcada, pensada para todo público.
Dirigida por Tim Story, con actuaciones de Chloë Grace Moretz y Michael Peña en los roles humanos que orbitan el conflicto, la propuesta demuestra oficio técnico en el 3D y ritmo, aunque paga el precio de explicar demasiado aquello que antes se sostenía solo con gesto y timing. La magia ordena el relato, pero también domestica el absurdo; el resultado es eficaz, simpático, aunque menos salvaje que aquellos viejos cortometrajes que nunca necesitaron brújula para entretener y hacer reír.
En síntesis: Colorida, correcta, domesticada.
("Moon, le panda", Bélgica/2025)
La propuesta del cineasta belga Gilles de Maistre articula la historia de un solitario niño que luego de sacar malas notas se va a vivir con su abuela en las montañas de China donde se encuentra con un osito panda con el que entabla una improbable amistad, utilizando esa relación como puente hacia temas más amplios como la pérdida, el crecimiento y la conexión con la naturaleza.
Con una narración relajada y una sensibilidad contemplativa, apuesta más a la emoción íntima que al espectáculo, apoyándose en paisajes cuidados, silencios expresivos y una puesta en escena que privilegia la observación antes que el subrayado. Sin recurrir a golpes bajos, la película construye un relato amable y melancólico, pensado tanto para el público infantil como para el adulto, donde la fábula funciona como refugio frente a un mundo cada vez más hostil y acelerado.
En síntesis: Ternura, naturaleza, vínculo.
("No Other Choice", Corea del Sur/2025)
Dirigida por el singular Park Chan-wook y protagonizada por Lee Byung-hun, a quien secundan Son Ye-jin, Park Hee-soon, Lee Sung-min, Yeom Hye-ran y Cha Seung-won, sigue la historia de un trabajador de una papelera que, tras ser despedido con 25 años de antigüedad, se embarca en un plan extremo para asegurarse un nuevo empleo eliminando a sus competidores.
En una adaptación contemporánea de la novela "The Ax", de Donald Westlake, ya llevada al cine por Costa-Gavras en 2005. La película mezcla comedia negra, thriller y sátira, y propone una narración muy original sobre las presiones laborales y la supervivencia familiar en tiempos modernos. Su historia presenta una reflexión sobre hasta dónde puede llegar alguien cuando siente que no hay alternativas. Para ver.
En síntesis: Desesperación, supervivencia, ironía.
Guillermo Francella es uno de esos raros casos en los que el éxito popular no solo no limita, sino que lo potencia. Antes de convertirse en sinónimo de comedia masiva, probó fugazmente el periodismo, con su hermano el negocio inmobiliario —dato que hoy suena casi a chiste privado—, el teatro under, y transitó durante años el territorio del humor televisivo y cinematográfico más directo, ese que lo convirtió en figura omnipresente de Telefe y en un rostro familiar para varias generaciones. El de "Poné a Francella" y "Casado con hijos" parecía tener un techo claro: hacer reír, y hacerlo siempre igual de bien.
Pero algo se quebró —para bien— con "El secreto de sus ojos". Allí apareció otro actor: contenido, oscuro, incómodo, capaz de habitar silencios y zonas morales ambiguas. No fue un giro oportunista sino una mutación profunda. Desde entonces, Francella empezó a demostrar que la comedia había sido una escuela y no una jaula, y que detrás del timing perfecto había un intérprete con una comprensión singular.
Su filmografía posterior es una prueba de elasticidad actoral poco frecuente en figuras tan populares: villanos, padres rotos, empresarios sin escrúpulos, un meteorólogo de TV, un odontólogo introvertido, hombres comunes empujados al abismo. Y este año redobló la apuesta. Dejó de ser Pepe Argento y el siniestro Eliseo (de la serie "El encargado") para hacer "Homo Argentum", donde interpreta nada menos que 16 personajes, en su obsesión por condensar en una sola película todas sus máscaras posibles, del grotesco al realismo más incómodo. Vendió más de dos millones de tickets en los cines, más allá de la polémica que con o sin razón desató la coyuntura política del país y su mirada algo corrosiva del estereotipo argentino.
De algún modo, el círculo se cierra con ironía: aquel Francella multiplicado por Telefe, que parecía repetirse a sí mismo en clave de sketch, vuelve ahora multiplicado por elección, por riesgo y por oficio. Ya no es la repetición lo que manda, sino el desafío. Y eso, en un actor que podría vivir cómodamente de su pasado, es quizás su mejor recompensa.
Fuente: Agencia DIB