Estrenos en plataformas
"Bardot"
(Francia/2023) Flow
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viernes 09 de enero de 2026
Pantalla Total y los estrenos de la semana: el biopic "Bardot", la remake de "El beso de la mujer araña", "The Pitt", un serie sobre médicos diferentes y mucho cine de terror.
"Bardot"
"Familia en renta"
"El beso de la Mujer Araña"
"The Pitt"
"Primate"
"El y Ella"
Manuel Puig, el escritor argentino que tuvo que exiliarse en Brasil y México.
La versión de Héctor Babenco de "El beso de la Mujer Araña", con Willam Hurt, Raúl Juliá y Sonia Braga.
(Francia/2023) Flow
La propuesta se corre deliberadamente del biopic de bronce para narrar el reverso del mito. La miniserie (en seis episodios), dirigida por Danièle Thompson, no busca la veneración ni el ajuste de cuentas, sino algo más incómodo: mostrar cómo Brigitte Bardot fue, al mismo tiempo, sujeto de deseo y objeto de una maquinaria que no admitía fuga.
Desde sus primeros pasos en el cine hasta la explosión mediática, la serie privilegia la vivencia íntima por sobre la postal icónica y construye un clima de encierro progresivo, donde el éxito aparece menos como triunfo que como condena. El cuerpo, la mirada ajena, la exposición constante y la imposibilidad de decir “basta” funcionan como los verdaderos motores del relato.
Lejos del biopic clásico, Bardot dialoga con el presente al releer el siglo XX con categorías hoy ineludibles: consentimiento, autonomía y violencia simbólica. En el centro, Julia de Nunez compone a la actriz con una fragilidad tensa, evitando la imitación y apostando a una Bardot que nunca termina de reconocerse en el personaje público que la devora; a su alrededor, figuras como Victor Belmondo y Noham Edje completan un ecosistema masculino más funcional que afectivo.
El remate es filoso y perturbador: antes de ser un ícono sexual, Bardot fue una mujer a la que no le permitieron dejar de serlo. La serie no celebra la leyenda; la desarma, y en ese gesto expone la violencia estructural que sostiene a los mitos que seguimos consumiendo.
En síntesis: Exposición, desgaste, jaula.
("His & Hers", EE.UU./2026) Miniserie Netflix 9/1
Llega este policial de seis episodios que explora la fina línea entre verdad y mentira desde el conflicto íntimo y la tensión narrativa clásica del thriller contemporáneo.
Basada en la novela de Alice Feeney, la historia sigue a Anna (interpretada por Tessa Thompson), una ex conductora de noticias que, recluida y alejada de su pasado profesional, vuelve a implicarse en la investigación de un asesinato en su pueblo natal; su exmarido, el detective Jack Harper (encarnado por Jon Bernthal), se convierte en contrapunto y sospechoso de su propia obsesión, marcando un pulso donde cada versión parece esconder más de lo que revela.
La miniserie está liderada creativamente por William Oldroyd, quien dirige el primer episodio y forma parte del núcleo de guionistas junto a Dee Johnson y Bill Dubuque, construyendo un relato cargado de giros y ambigüedades que obligan al espectador a dudar de cada relato personal. En ese sentido, "His & Hers" se distancia del policial convencional para instalar una reflexión sobre la percepción, la memoria y la narración misma, donde la investigación del crimen funciona como espejo de tensiones previas en los vínculos de sus protagonistas.
En síntesis: Versiones, dudas, misterio.
("Agatha Christie's Seven Dials", Gran Bretaña/2026) Netflix
Se trata de una miniserie en tres episodios que retoma el universo clásico de la serie negra ambientado en la Inglaterra de la década del 20. La historia se inicia con una broma aparentemente inocente durante una reunión de la alta sociedad que deriva en un crimen y abre un entramado de secretos, sospechas y conspiraciones. En el centro del relato aparece Lady Eileen “Bundle” Brent (Mia McKenna-Bruce), una joven aristócrata que, casi sin proponérselo, asume el rol de investigadora y se enfrenta a un mundo donde nada es tan elegante ni tan transparente como parece.
Dirigida por Chris Sweeney y adaptada por Chris Chibnall, la serie combina respeto por el espíritu de Agatha Christie con un ritmo narrativo moderno, apoyado en un elenco sólido que incluye a Helena Bonham Carter, Martin Freeman, Ed Bluemel y Nabhaan Rizwan. Sin reinventar el género, Las siete esferas funciona como un ejercicio eficaz de misterio clásico, donde la observación, la deducción y el juego de apariencias siguen siendo el verdadero motor del relato.
En síntesis: Enigma, época, deducción.
Temp. 2 (EE.UU./2026) HBO Max 8/1
Regresa con su segunda temporada y reafirma su lugar dentro del drama médico contemporáneo gracias a un dispositivo narrativo tan simple como eficaz: 15 horas consecutivas de una guardia hospitalaria contadas en tiempo real.
Creada por R. Scott Gemmill y producida por John Wells, la serie vuelve a situarse en el Pittsburgh Trauma Medical Center, esta vez durante el fin de semana del 4 de julio, retomando la intensidad física y emocional que definió al primer ciclo. Noah Wyle encabeza nuevamente el elenco como el Dr. Robby Robinavitch, acompañado por Katherine LaNasa, Patrick Ball y Fiona Dourif, entre otros integrantes del equipo médico.
La segunda temporada profundiza en la evolución de los personajes y en la dinámica de una sala de emergencias que, como en la vida real, no ofrece pausas ni certezas. Con un salto temporal de diez meses respecto del cierre anterior, la narrativa explora el desgaste acumulado, las decisiones límite y la convivencia bajo presión constante, donde lo profesional y lo íntimo se confunden.
El formato —un día completo desglosado en episodios-hora— vuelve a funcionar como experiencia inmersiva más que como simple recurso formal, atrapando al espectador dentro de una maquinaria que no se detiene. "The Pitt" confirma así su pulso realista y su capacidad para convertir la urgencia médica en drama humano sostenido.
En síntesis: Urgencia, humanidad, intensidad.
("The Kiss of The Spider Woman", EE.UU./2025)
Dirigida por Bill Condon, retoma la célebre novela del argentino Manuel Puig,—según el musical de Broadway de John Kander, Fred Ebb y Terrence McNally— para narrar el vínculo inesperado entre Molina, encarnado por Tonatiuh, un preso gay apasionado por el cine, y Valentín, en este caso Diego Luna, militante político encarcelado durante la última dictadura cívico militar argentina, una relación atravesada por la fantasía melodramática que encarna Aurora, la impar Jennifer Lopez, figura tan deseada como ilusoria.
Con una puesta cuidada y un tono que combina intimismo, política y sesgo musical, Condon propone una lectura contemporánea del texto original, subrayando la potencia del relato como espacio de resistencia emocional y política. La versión dialoga de manera explícita con la previa de la novela, dirigida por el marplatense Héctor Babenco en 1985, hoy un clásico del cine político latinoamericano, pero evita el mero homenaje para construir una obra propia, más estilizada y quizás reflexiva, que apuesta al poder de la imaginación como refugio frente a la opresión. Para ver.
En síntesis: Deseo, encierro, libertad.
("Rental Family", EE.UU.(2025)
Parte de una premisa tan sencilla como inquietante: un hombre solitario en Japón contrata actores para que interpreten, por unas horas, el papel de su familia ideal. A partir de ese dispositivo, la película avanza como un drama contenido sobre la necesidad de afecto, la identidad y los vínculos construidos desde la simulación, donde lo emocional comienza a desbordar el contrato inicial.
Dirigida por Hikari, la puesta elige la contención y la observación antes que el subrayado, apoyándose en la actuación de Brendan Fraser, que compone a su personaje desde la fragilidad más que desde el golpe emotivo. Aunque no se trata de una remake estricta, el film dialoga de manera explícita con ficciones y documentales orientales previos sobre las rental families, releyendo ese universo desde una sensibilidad occidental que desplaza el foco hacia la soledad contemporánea y la búsqueda de pertenencia. Sin ironía ni cinismo, "Familia en renta" deja flotando una pregunta incómoda: qué queda de lo verdadero cuando incluso el afecto puede alquilarse.
En síntesis: Soledad, artificio, afecto.
("Song Sung Blue", EE.UU./2025)
Dirigida por Craig Brewer, es un drama musical de tono clásico que sigue a una pareja común —interpretada por Hugh Jackman y Kate Hudson— que encuentra en las canciones de Neil Diamond una vía de expresión, pertenencia y redención personal, cuando sus propias vidas parecen haber quedado al margen de cualquier promesa de éxito.
Con sensibilidad popular y sin cinismo, Brewer construye un relato sobre el sueño americano en clave menor, donde el talento importa menos que la persistencia y el afecto compartido, y donde la música funciona como refugio emocional antes que como espectáculo. La película se inspira en el documental homónimo dirigido por Greg Kohs en 2008, que retrataba a cantantes amateurs devotos del repertorio de Diamond, pero aquí el material es reformulado como ficción narrativa, apoyada en el carisma de sus protagonistas y en una puesta en escena deliberadamente clásica, más interesada en la emoción genuina que en la épica del triunfo.
En síntesis: Vocación, pareja, perseverancia.
(Argentina-Nueva Zelanda/2025)
Es una película de terror en episodios dirigidos por Michael Escobedo, Juan de Dios Garduño, Hana Kazim, Gonzalo Mellid y Raffael Oliveri, con Valentina Mas como protagonista. La trama sigue a Ellie, una niña huérfana que es rescatada de un ritual satánico y llevada al Instituto Saint Catherine, donde jóvenes sobrevivientes de exorcismos se entrenan para enfrentar demonios literales y simbólicos.
La película combina atmósferas perturbadoras con momentos de introspección, explorando cómo el dolor, la fe y la redención se entremezclan en un lugar donde lo sobrenatural y lo real chocan constantemente.
En síntesis: Posesión, redención, terror.
(EE.UU./2025)
Combina terror biológico y suspenso psicológico a partir de un experimento con primates que se sale de control dentro de un centro de investigación. Dirigida por Jessica M. Thompson y protagonizada por Anya Taylor-Joy, Sterling K. Brown y Joe Alwyn, la película explora el límite frágil entre lo humano y lo salvaje, apoyándose en espacios cerrados y una puesta opresiva donde la amenaza crece de manera progresiva.
Más interesada en la tensión y la degradación moral que en el golpe explícito, "Primate" construye un horror inquietante que apunta a la pérdida de control y al miedo a la regresión, y deja como remate una idea perturbadora: cuando la observación científica fracasa, el instinto siempre toma el mando.
En síntesis: Instinto, descontrol, supervivencia.
(Japón, 2006)
Se estrenó en el mundo hace 20 años pero aquí era una asignatura pendiente, no obstante una pieza fundamental del cine de animación japonés contemporáneo y uno de los trabajos más celebrados de Satoshi Kon, quien utiliza el territorio del sueño como materia narrativa y visual. A partir de un dispositivo capaz de ingresar en el inconsciente, la película despliega un thriller psicológico donde la frontera entre vigilia y fantasía se disuelve por completo, dando lugar a una animación en permanente mutación, desbordante de ideas y asociaciones libres.
Kon rehúye las explicaciones cerradas y apuesta a una experiencia sensorial y ambigua, en la que las imágenes avanzan con lógica propia y el espectador es invitado a perderse antes que a comprender del todo. "Paprika" no solo anticipó discusiones actuales sobre identidad y control mental, sino que dejó una influencia visible en el cine posterior, confirmando a su director como un autor capaz de transformar el delirio en forma cinematográfica.
En síntesis: Sueño, identidad, desborde.
El cine encontró en la obra de Manuel Puig un territorio fértil para explorar el cruce entre melodrama, política, deseo y cultura popular. Desde las adaptaciones directas de "Boquitas pintadas" (1974), de Leopoldo Torre Nilsson, y "Pubis angelical" (1982), de Raúl de la Torre, hasta la proyección internacional de "El beso de la mujer araña" (la primera versión de 1985), de Héctor Babenco, su literatura demostró una notable capacidad de mutar en imágenes sin perder densidad ni ambigüedad.
Incluso cuando fue abordado de manera libre, como en "Happy Together" ("Felices juntos"), de 1997, del hongkones Wong Kar-wai y rodada parcialmente en Buenos Aires, inspirada precisamente en "The Buenos Aires Affaire", el universo de Puig siguió funcionando como una caja de resonancia emocional y narrativa, confirmando que su escritura -fragmentaria, cinéfila y profundamente moderna- dialoga con el lenguaje audiovisual de manera natural y persistente. Un gran ejemplo, entre muchos, es "La traición de Rita Hayworth".
Nacido en General Villegas en 1932, Manuel Puig creció marcado por el cine clásico de Hollywood y la vida de provincia, dos núcleos que atravesaron toda su obra. Estudió cine en Roma, trabajó como guionista y encontró en la literatura un espacio para desarmar jerarquías culturales, incorporando voces populares, folletín, bolero y radioteatro.
Perseguido y censurado en la Argentina de los años setenta, por su literatura "peligrosa", sus cuestionamientos a la masculinidad, por el papel de la sexualidad en su decisión de género, y su postura "apologética del terrorismo", de acuerdo a la la represión (precisamente en "El beso..."), vivió un largo exilio entre Brasil, (retratado en "Vereda tropical", film de 2004 de Javier Torre), en Estados Unidos, donde escribió algunas de sus novelas más influyentes y México.
Murió en Cuernavaca, el 22 de julio de 1990 a los 62 años, tras una complicación quirúrgica, dejando una obra que sigue interpelando al cine y a la literatura contemporáneos.
Fuente: Agencia DIB